Franz Liszt

Les études d'exécution transcendante

Plusieurs fois remaniée, toujours dans le sens d'une diminution de la difficulté d'exécution au profit de la musicalité, voici l'oeuvre emblématique de la virtuosité pianistique. Il y en a douze, dont les tonalités alternent le majeur et son relatif mineur, en suivant le cycle des quintes descendantes (il manque donc douze autres études pour décrire toutes les tonalités). Dix d'entre elles portent un titre spécifique explicitant leur contenu poétique.

• Prélude (ut majeur): La plus courte, dans la lumière d'ut majeur. Une prise de possession du clavier, dans un geste ample et généreux.
• Molto vivace (la mineur) : c'est une étude au sens classique du terme, usant avec bonheur des intervalles de seconde. La fin cite le célèbre thème de la cinquième symphonie de Beethoven.
• Paysage (fa majeur) : une pièce détendue, dont la difficulté provient du phrasé. 
• Mazeppa (ré mineur) : voici un vaste poème épique pour le piano, d'après Victor Hugo. Mazeppa était un Ukrainien, qui, surpris dans les bras d'une femme de noblesse, fut attaché à un cheval lancé au galop à travers la steppe. A sa chute, il fut recueilli par les cosaques dont il devint le chef. La pièce de Liszt est donc une effrayante chevauchée, conclue par une série d'accords brillants. Le pianiste a cependant à craindre de chuter avant le cheval, car la difficulté est considérable. 
• Feux follets (si bémol majeur) : la pièce précédente testait la puissance et l'endurance du pianiste. Ici, c'est sa légèreté et la précision de son toucher qui sont mises à l'épreuve, dans une pièce toute en pianissimi et en leggiero, diaphane et scintillante.
• Vision (sol mineur) : sombre et farouche cortège mortuaire, mêlée d'héroïsme. La vision en question est celle du retour des cendres de Napoléon.
• Eroica (mi bémol majeur) : la liaison avec la précédente est évidente, ainsi que le choix de la tonalité de la symphonie Héroïque de Beethoven.
• Wilde Jage (ut mineur) : une des pièces les plus difficiles du répertoire. Dans la plus noire des tonalités, cette chasse sauvage est une chasse à l'homme : on croit entendre le sifflement des balles, les aboiements des chiens. Un épisode contrastant fait entendre une mélodie sublime, le gibier, traqué de toute part, implore sa grâce. Mais déjà les chiens se rapprochent : la fin sera féroce.
• Ricordanza (la bémol majeur) : douce rêverie, de celles qui vient en redécouvrant, dans un grenier, de vieilles lettre d'amours oubliées, qui remontent à la surface en laissant le goût de la nostalgie des années qui passent.
• Allegro agitato molto (fa mineur) : une étude classique, comme la deuxième pièce, et dans le même esprit. On la surnomme souvent Appasionata, en raison de son caractère et de sa tonalité qui est celle de la sonate du même nom de Beethoven.
• Harmonies du soir (ré bémol majeur) : ce titre beaudelairien sera repris par Debussy dans un de ses préludes, et la pièce de Liszt l'annonce à maints égards, de par son merveilleux chatoiement de sonorités hypnotiques.
• Chasse neige (si bémol mineur) :  un thème noir, impitoyable, serti dans un tourbillon de notes évocateur de ce redoutable vent des montagnes. Un épisode central, basé sur le même thème un instant adouci, semble apporter un réconfort illusoire. Le climat initial revient en force, appuyé par des rafales sous la forme de fusées bien cruelles pour le pianiste. Puis le paysage se brouille, noyé sous la neige.

Les années de pèlerinage

Cet ensemble de pièces couvre toute la vie créatrice de Liszt. Le premier cahier : Suisse, est consacré à la nature grandiose du pays, dans une optique typiquement romantique selon laquelle le voyageur perçoit dans les paysages qu'il contemple le reflet de ses tourments intérieurs (on retrouve cette même relation métaphorique dans le Voyage d'Hiver de Schubert). Le deuxième cahier : Italie, est lui tourné vers les chefs d'oeuvres artistiques. La troisième année est un recueil plus disparate de pièce tardive, mais qui contient le joyau suprême de ces années.

• La chapelle de Guillaume Tell  ouvre le premier recueil. Un thème majestueux, empreint de religiosité, on entendrait un orgue dans une église. L'épisode central, basé sur les trémolos, fait sonner l'appel de la révolte, qui retentit de loin en loin.
• Au bord d'une source, cette source dans la fraîcheur de laquelle, d'après les vers de Schiller en exergue, le jeux de la jeune Nature commencent. Voici une première évocation, déjà très réussie, des jeux d'eaux...
• La vallée d'Obermann : le titre évoque le roman de Sénancour, "Oberman". On est là dans le romantisme le plus volontier chargé : coeur débordé de sentiments spleenitiques, recherche du bonheur (évidemment vouée à l'échec) tantôt dans la plaine, tantôt dans la montagne, moments d'extase. La pièce est la plus développée et la plus célèbre du premier livre. Son unité provient de ce qu'elle est basée sur un seul thème, dont on admirera les transformations. La première partie fait entendre un long gémissement à la main gauche, tel un chant de violoncelle, repris comme en écho à l'aigü. Le deuxième épisode semble venir de très loin, et s'approcher peu à peu, comme une promesse de bonheur vite brisée. Le troisième épisode commence dans un climat très lourd, souligné par les trémolos dans le grave, et culmine dans une superbe tempête : il faut s'imaginer dehors en pleine nature, par une nuit d'orage, avec le vent et la pluie qui fouettent le visage. Le dernier épisode reprend le thème du deuxième, d'abord de très loin, et qui trouve dans une version ascendente l'épanouissement des sonorités dont il portait la promesse. Le mouvement s'accèlère progressivement, la musique se sature de notes et de couleurs, tel un cri de joie jeté à tout l'univers.
• Sposalizio : pièce inaugurale de la deuxième année, elle reprend le titre du tableau de Raphaël représentant le mariage de la Vierge. Un thème pentatonique parcourt la pièce comme une volée de cloches, dans une harmonie volontiers archaïsante, dégageant un sentiment mystique.
• Il Penseroso : d'après un poème de Michel Ange, dans lequel sa statue éponyme du tombeau de Laurent de Médicis loue sa surdité et son mutisme dans une époque troublée. La pièce est une marche funèbre à l'harmonie déjà wagnérienne, celle du Crépuscule des Dieux.
• Les sonnets de Pétrarque : Liszt avait écrit trois lieder sur trois des sonnets que Pétrarque (1304-1374) avait écrit à l'intention de Laure, la dame de ses pensées : les numéros 47 (Benedetto sia 'l giorno), 104 (Pace non trovo), 123 (Io vidi in terra angelici costumi). Puis il en réalisé la transcription pour piano que voici. Dans un style qui ne cache pas sa filiation avec les Nocturnes du Chopin, ce sont trois magnifiques chants d'amour, aux modulations incroyables, avec une richesse de couleurs qui en font un des grands joyaux du répertoire romantique.
• Après une lecture du Dante : sous-titrée "Fantasia quasi sonata" avec une allusion transparente aux sonates 13 et 14 de Beethoven, il s'agit de la pièce la plus largement développée des Années de pélerinage, un véritable poème symphonique pour le piano (Liszt a d'ailleurs écrit pour l'orchestre une Dante-Symphonie). Le titre est celui d'un poème de Victor Hugo, le contenu évoque l'Inferno de la Divine Comédie de Dante. L'oeuvre s'ouvre par de retentissants octaves s'enchaînant en quartes augmentées : cet intervalle, aussi appelé triton, était qualifié de "diabolicus in musica" en raison de sa sonorité particulièrement tendue. Après un prélude lent et heurté, les octaves en triton envahissent tout le clavier qui semble littéralement gémir sous les flammes infernales ! La culmination suggère l'arrivée du maître des lieux... avant que tout se résorbe dans le silence. Un deuxième épisode, au chant tendre et plaintif et surtout d'une beauté confondante, reprend l'histoire de Francesca di Rimini, damnée selon Dante pour avoir convoité le frère de son époux. Mais la fin de l'oeuvre est impitoyable, les tritons s'élargissent en quintes (intervalle souvent associé à l'idée de puissance) alors que les portes de l'Enfer se referment.
• Les Jeux d'eaux à la Villa d'Este : issu de la troisième année, voici le joyau absolu du cycle complet. Dans cette pièce tardive, Liszt livre la quintessence de sa science des sonorités. Une pièce d'une absolue limpidité, qui parcourt tous les registres du piano en privilégiant toutefois l'extrême aigü. Les idées mélodiques n'ont guère d'importance en elles-mêmes : ce que l'oreille retient, c'est un chatoiement de couleurs où chaque note entre en résonnance avec les autres, dans une véritable mélodie des timbres.

A l'exception hélas du sonnet de Pétrarque n°47, Arrau a gravé les pièces les plus significatives. La meilleure intégrale est celle de Lazar Berman (DG). Enfin, nul ne saurait se passer du DVD de Brendel (Philips), consacré aux deux premières années.

La sonate en si mineur

Cette sonate unique est l'oeuvre maîtresse de Franz Liszt, un jalon dans le piano romantique. Dédiée à Robert Schumann, elle est aussi une réponse à la Fantaisie en ut majeur de ce dernier, dont Liszt avait reçu la dédicace quinze ans auparavant. Cette dernière oeuvre était une fantaisie qui ne voulant pas s'appeler sonate ; la sonate de Liszt est une sonate que l'on pourrait appeler fantaisie, tant elle s'éloigne des canons classiques. Commun à ces deux immenses oeuvres, un climat épique prononcé.

La sonate est d'un seul tenant : on y distingue trois mouvements enchaînés. La tradition les relie aux trois personnages Faust, Marguerite et Mephiso, qui ont tant hanté Liszt. Une introduction lente, démarré sur un si grave, ouvre l'oeuvre dans un climat d'hallucination de demi-sommeil dont elle ne se départira jamais vraiment. Puis, forte (un seul forte, pas deux !) le thème principal s'installe, inquiétant et maléfique. Un deuxième thème apparaîtra ensuite, majestueux avec son accompagnement en quintes. Toute la première partie de la sonate est un combat magnifique entre ces thèmes. La deuxième partie constitue le mouvement lent : contemplation presque statique d'une grande douceur, qui se termine par une retour des éléments introductifs. Et voici la troisième partie, qui démarre par un scherzo fugato, où le rire sardonique du démon emplit l'espace sonore. Progressivement, tout s'appaise. Dans les dernier accords, le théme méphistophélique se transforme et s'évanouit, impuissant comme un mauvais rêve. Un dernier si dans le grave clôt cette gigantesque vision.